Мерзкий Кант Как художник из Калининграда создал свой образ великого философа
Теги: Национальная культура | Художники
Автор: Арина Демидова
Художник из Калининграда Алексей Мозговой давно живет в Москве. Он работает в столичном музее Есенина. Алексей Мозговой создал серию картин, где классики отечественной литературы и зарубежной философии представлены в неожиданном ракурсе. Александр Пушкин, Федор Достоевский, Сергей Есенин, Иммануил Кант и т. д.
В вашей семье были художники? Кто вас вдохновил на эту профессию?
Художников в моей семье не было, мама учитель, отец военный. Я сам захотел заниматься живописью в восьмом классе, перечитал историю искусств и понял: это то, чем я хочу заниматься. Стал искать, где можно научиться рисовать. Нашел по справочнику МГАХУ и стал готовиться к поступлению. Понятно, что после девятого класса я не мог поступить: не хватало навыков. Так проучился в школе до 11-го класса, после которого провалил вступительные, пошел работать лаборантом в училище и продолжил подготовку к поступлению. На следующий год поступил. После окончания училища поступил в МГАХИ им. В.И. Сурикова. Родные меня поддерживали во всем. Им было не важно, что я выберу.
Творческая специальность подразумевает постоянное самообразование. Чему вы учитесь?
Сложно сказать, интересуюсь многими вещами. Литературой, Contemporary art, хочу освоить дизайн.
Какова ваша основная работа, помимо написания картин?
Я работаю художником в ГМИРЛИ имени В. И. Даля или просто в Государственном Литературном Музее, занимаюсь оформлением экспонатов и их экспонированием в выставочном пространстве.
Когда вы написали свою первую картину и что это была за картина?
Наверное, многие из нас написали свою первую работу в глубоком детстве и даже не помнят про нее. Помню только первую работу маслом: это был букет жасмина. Ну а первой существенной работай я считаю Shit Happens, которая экспонировалась на выставке ТСХР «Красота».
Сколько у вас уже работ?
Не могу ответить на этот вопрос, не считал никогда, очень много. Но вот существенных, которые я сейчас мог бы представить, всего, думаю, пара десятков.
Почему вы начали писать портреты писателей, поэтов, философов?
Я пришел работать в литературный музей, его атмосфера повлияла на меня. Получаемые впечатления нашли выход в моих произведениях.
На ваш взгляд, в чем новизна ваших работ?
Полагаю, что как таковой новизны нет. Разве что взгляд на конкретных личностей — Федор Достоевский или Иммануил Кант, например. Изображение их новых образов, до меня вряд ли исполненных. Сутью самой задумки картины про Достоевского как раз и является отсутствие изображений, где он смеется, где он живой человек, а не совокупность героев его произведений. Достоевский — человек, а не книга. На всех изображениях, которые встречались, это был угрюмый, полный тяжелых дум человек.
Я решил исправить эту несправедливость и изобразить его таким, каким еще не видел, — смеющимся, хохочущим, молодым, без бороды. А вот Иммануил Кант — здесь образ нашего времени. Картина с названием Nasty Kant (Мерзкий Кант) говорит о проявившемся в 2019 году отношении к Канту во время выбора названия аэропорта в Калининграде. Имя философа подвергалось нападкам, оскверняли могилу и памятник Канта. Это и побудило меня создать этот ироничный портрет. Я выражаю свое восприятие времени или персонажа. Они сами ко мне являются, не ищу сюжетов или определенных деятелей, просто переношу их на холст.
Какую из своих картин вы считаете самой резонансной?
«Достоевский сушит десны». Она была представлена на выставке «Федор Достоевский. Сильные впечатления» к 200-летию писателя, попала в несколько печатных изданий.
Вы пишете одну картину около трех лет. Почему портреты занимают столько времени?
Точнее будет сказать, что с момента замысла до реализации проходит около трех лет. На написание непосредственно от первого до последнего мазка уходит около 3–5 месяцев. Это время тратится на поиск художественного решения в работе. Ведь одного замысла недостаточно, нужно находить, как это художественно воплотить в материале.
Сколько на данный момент у вас уже было выставок и какие готовятся?
Выставок, в которых я участвовал, очень много, как-то их даже не запоминал. Есть некоторые, которые можно было бы выделить; сначала были студенческие выставки в училище, потом в союзах художников, Московском и Российском, плюс небольшие выставки в разных городах, галереях. Ежегодно стараюсь выставляться в ДК «Салют», это самое лучшее место, так как нет «выставкома». Недавняя персональная выставка — вечер в Музее С. Есенина в Москве. Готовится выставка-презентация по реконструкции утраченного портрета С. Есенина, написанного художником Борисом Григорьевым в Париже в 1923 году.
Вы увлекаетесь творчеством художника Бориса Григорьева. Что именно вас привлекает в его творчестве?
Мне близок его стиль слома формы и сложных колористических решений, отсылающих нас к иконописному характеру произведений.
Есть ли литератор, портрет которого вы принципиально никогда бы не стали писать?
Полагаю, что такого нет. Я человек открытый различным взглядам, и даже если сейчас мне не близка позиция какого-то писателя, это может измениться в будущем. И здесь больше важен факт непосредственного влияния на меня писателя. Если он сам ко мне не явился в каком-то образе, то я и не буду его писать. Специально ничего не выдумываю. Возникает образ — беру его на карандаш. Когда появляется время, переношу на холст маслом. Образ не уходит от меня, пока я его не напишу. Так освобождаюсь от него. Сейчас передо мной стоят еще два образа: Гоголь и Гумилев. Гоголь ждет уже пять лет, я пытался его написать, но он не ушел, сейчас придется все сделать так, как он хочет, иначе он меня не оставит. И совершенно свежий образ Гумилева, ему всего несколько месяцев, но он очень настойчивый и может опередить Николая Васильевича.
Какова, на ваш взгляд, цена популярности художника? Что он отдает взамен?
Сложно судить, не мой случай. Это может быть жизнь, свобода. Очень хорошо это описал Гоголь в своем произведении «Портрет», есть вариант Ирвинга Стоуна «Жажда жизни». Я же стараюсь быть честен перед собой. Могу описать некоторые критерии, которые могут сделать вас популярным, но сейчас это не мой путь. Следует выстроить план и двигаться по нему:
— серийность работ, сделал серию — устроил выставку;
— поиск индивидуального языка, это узнаваемость (очень важна для популярности);
— подписание контракта с галереей или продюсером, где уже он требует, сколько и чего ты должен произвести (взамен ты получаешь рекламу, выставки, гонорары и продажи).
Эти пункты ведут к популярности, но при этом сковывают и ограничивают творческую свободу. Какой будет мой путь, не знаю, пока от этого далек, жертвую время и силы смежной работе, но зато абсолютно свободен в самовыражении, пусть оно и не приводит пока к большой популярности.
В чем, как вам кажется, главная сложность творческих специальностей?
В поиске правильного решения. Всегда сталкиваешься с чем-то новым, что требует индивидуального подхода. Нет одного шаблона для всего.
Можете сформулировать три заповеди картины, которая приобретет массовую популярность?
Думаю, популярным картину делает не то, что она из себя представляет. Три заповеди: PR, вирусность, мем.
Бытует мнение, что написание картин в итоге будет окончательно заменено «цифрой». Как вы считаете, так ли это?
Это будет длительный период. Но, думаю, на нашем веку еще будут писать картины маслом, хотя количество будет уменьшаться. Это связано с экономикой и цифровизацией. Быть художником в классическом смысле очень дорого. Поэтому количество художников, работающих в этих жанрах, будет снижаться, а цифровых расти, так как область более востребована и затрат на работу много меньше. Качество работ, выполненных классическими материалами, продолжит снижаться, а изобразительные формы будут продолжать упрощаться, эти тенденции можно отметить в огромном количестве современной живописи. Важно стало «скоропись» сделать своим стилем и подвести под это концептуальную идею.
Рекомендуем прочитать статью о художнице Юлии Ованесян.
