Дарья Головкова: «Каждый человек отчасти художник»

Художница из Петербурга — о том, как она перевезла в Москву ностальгию по родному городу

Теги: Национальная культура | Живопись | Художники

Автор: Арина Демидова

Художница Дарья Головкова живет в Москве уже давно. Но родной Санкт-Петербург не отпускает ее. Может ли ностальгия стать питательной средой для творчества? Оказывается, да.

Когда ты переехала в Москву?

Я родилась в Петербурге 19 декабря 2000 года, прожила там все детство и немного подростком. В 2012 году мы с семьей переехали в Москву, что, конечно, было достаточно большим потрясением для меня, все оказалось слишком непривычным. Мне кажется, на основе переживаний того периода у меня появилась тема, с которой я работаю: ностальгия, память, тоска по утраченному дому. Петербург до сих пор остается моим местом силы, куда я часто приезжаю перезарядиться и отдохнуть от московского ритма.

Как ты стала художником?

Кажется, не было определенного момента, когда я внезапно поняла: я художница. Как будто это всегда было со мной, даже не пришлось определяться. Сейчас понимаю, что быть художником значит не только создавать произведения искусства, а намного больше: образ жизни, видение, внимательность и чуткость к окружающему миру, событиям. Эти навыки применимы ко всем сферам жизни, так что, думаю, каждый человек отчасти художник, если он замечает такие изменения в жизни.

Я много экспериментирую с техниками, потому что, видимо, до сих пор нахожусь в поиске своего стиля. Недавно попробовала сделать объекты в технике энкаустики — живопись воском. А сейчас больше работаю с акварелью, маслом, делаю монотипии, немного офорт. В будущем хотела бы больше научиться работать с фотографиями, негативами, попробовать что-то технически сложное.

Какую тему ты хотела бы осветить на своей первой персональной выставке?

Хотела бы порассуждать над образом художника-исследователя. Это все про работу с памятью, про разные случайные находки и наслоение смыслов, но еще и про самого художника, который документирует, сохраняет и создает свою собственную исследовательскую систему.

Что для тебя искусство?

Способ саморефлексии. Через искусство я проживаю свои эмоции и могу безопасно для себя выражать их через работы, защищаюсь ими как щитом в каком-то смысле. Часто погружаюсь в состояние потока, когда работаю, как будто ныряю под воду, где только я и пролетающие мысли, во время работы ощущаю прилив энергии, время проходит очень незаметно.

Какую роль природа и путешествия играют в твоем творчестве?

Мне кажется, что именно в путешествии я чувствую себя исследователем, ищу новый материал и формы, которые мне захочется использовать потом в работах. Пока нахожусь на природе или в поездке, мое внимание направлено во внешнее пространство. Это помогает перезагрузиться, настроиться на восприятие чего-то нового. Именно небольшие случайности, которые происходят в поездках, потом в итоге разворачиваются в полноценные истории в моем искусстве.

Какую историю ты хотела бы рассказать через свои произведения?

В своих работах мне хочется рассказать об ощущении единства прошлого: воспоминаний других людей и моего. Мне нравится синтезировать истории, совмещать мое видение и видение других людей, как бы накладывать две оптики. Чаще всего я рассказываю о том, что в чужих историях и воспоминаниях мы можем узнавать свое прошлое.

Какие преимущества и недостатки ты видишь в цифровом искусстве?

Цифровое искусство — очень интересное явление, которое позволяет появиться новым форматам взаимодействия со зрителем. Его плюс в том, что интернет делает искусство доступным, мгновенным, оно не зависит от места, поэтому цифровое искусство легче отправлять на выставки в другие города и страны. К тому же цифровое искусство увеличило количество инструментов для творчества, сделало искусство более технологичным и разноплановым. Мне кажется, цифровое искусство имеет больший выход в коммерцию, больше возможностей для коллабораций между брендами и художниками.

Главный недостаток мне видится в том, что такое искусство из-за своей бестелесности пока что не воспринимается как полноценное произведение, для многих это все еще нечто, что сложно показывать и продавать. К тому же без базовых знаний работы в редакторах и программах многим художникам сложно начать погружаться в цифровое искусство.

Что для тебя важнее — форма или содержание произведения искусства?

Форма и содержание — это два одинаково важных компонента, без них произведение не может быть полноценным, такая вот формула. Обычно, когда я выбираю тему для работы, мне важно, чтобы форма и техника каким-то образом были связаны с тем, о чем я рассказываю. По сути, форма передает содержание работы, через нее зритель понимает мое сообщение, и поэтому очень важно соблюдать этот баланс между формой и идеей работы.

Какие эмоции ты стараешься передать через свои работы?

Я часто сама пытаюсь ответить себе на этот вопрос и пока что сама не до конца понимаю. Но, кажется, это что-то про ощущение себя в пространстве, про рефлексию и беспристрастный взгляд на прошлое, настоящее. Лично для меня это часто про ощущение ностальгии, желание соединиться с миром, раствориться в этой истории, а еще пережить собственные эмоции. Как будто про отказ от себя в пользу наблюдения и передачи образов.

Какой твой любимый момент в художественном процессе?

Первый и самый главный — когда все обрывки идей, образов и наработки внезапно складываются в одну цельную историю и я уже начинаю четко видеть, куда хочу двигаться. Второй момент — когда первая проба уже сделана, страх начинать что-то новое и ошибиться немного поулегся и начинается активная фаза экспериментов с материалом, я не боюсь испортить работу и чувствую себя свободно.

Каким образом искусство может влиять на общество и культуру?

Хорошее искусство, как мне кажется, всегда является реакцией на контекст, в котором находится художник. Делать что-то отвлеченное от жизни, безусловно, можно, но обычно самые пронзительные вещи получаются, когда художник реагирует на события, которые окружают его и его зрителей, тогда случается «клик». Искусство часто бывает связано с активизмом, а еще оно предлагает альтернативные форматы знакомства с культурой через новые формы, которые часто придумывают художники, — это может быть игра, перформанс, воркшоп или открытое обсуждение, лекция, прогулка. Искусство предлагает культуре еще не опробованные формы, обучает зрителей смотреть на вещи через незнакомую оптику.

Какова роль творческого коллектива в твоей работе?

Я раньше как-то не придавала этому особого значения, но поработав в Открытых студиях «Винзавода» и побывав на разных обсуждениях, поняла, что иметь единомышленников — очень здорово. Именно через общение с другими художниками получается и на собственную практику посмотреть под другим углом. К тому же в творческой среде принято делиться опытом, а иногда и ресурсами, мы друг другу часто помогаем. Хорошо работать, когда чувствуешь, что есть такая поддержка. Мне нравится формат самоорганизаций, объединений, потому что вместе двигаться легче и интереснее, а еще оказалось, что продуктивнее. В будущем я планирую сделать собственное объединение, мне кажется, это хорошая идея для творческого развития.

Какая ситуация или событие вдохновили тебя на создание твоего последнего проекта?

Мои последние работы — результат короткого экспедиционного проекта в заброшенный кооператив в поселке недалеко от Домодедово. Серия называется «Покровители пространств» и посвящена идее о том, что у каждого места существует своя энергия и дух (genuis loci). В проекте я изучала прошлое кооператива, собирала свою коллекцию найденных объектов и на основе этого создала серию энкаустики. Работы были представлены на «Фабрике» на групповой выставке «Нигдейная земля. Экспедиция 01», куратором выступил Майкл Арутюнян.

Что ты на данный момент считаешь своим главным достижением, кроме попадания в Открытые студии «Винзавода»?

Главное творческое достижение — то, что я продолжаю этим заниматься, несмотря на выгорание после интенсивной учебы в университете. Открытые студии мне дали возможность по-другому взглянуть на мою практику, немного подрасти. Еще после этого меня взяли в галерею Art&Brut, где на сайте представлены мои работы. Меня стали регулярно звать участвовать в интересных выставках, за что я очень благодарна! Как раз недавно участвовала в выставке от новой галереи Masla Lisse.

Какой артист или художник оказал наибольшее влияние на тебя?

На меня повлияло много разных вещей, не только художники, но и фотографы, история современных выставок, книги, фильмы, все понемногу. Одни из моих любимых художников — это Ансельм Кифер, Герхард Рихтер, Френсис Бэкон, Люсьен Фрейд, Люк Теейманс, Марлен Дюма и Джорджия О’Киф, Сай Твомбли. Фотографы — Франческа Вудман, Беттина Гроссман, Вольфганг Тильманс. В последнее время очень нравятся и отзываются книги Оливии Лэнг и вообще жанр автофикшена.

Какие предметы или предметный мир ты чаще изображаешь в своих работах?

Свои образы я часто перерабатываю с найденных фотографий, изображаю людей, тени, природу, открытые пространства.

Где бы ты хотела провести свою следующую выставку?

Мне бы очень хотелось поработать с сайт-специфичным пространством. Например, я давно хотела бы попасть в финскую кирху Лумиваара и попробовать сделать что-то там. Но пока что это скорее очень далекий план.

Какое произведение искусства вызвало у тебя наиболее сильную эмоциональную реакцию?

Последнее, что сильно зацепило, — выставка Билла Виолы в Пушкинском музее.

Что значит для тебя быть художником?

Для меня быть художником значит быть всем. Недавно я поняла, что все практики и интересы из моей художественной деятельности перекладываются и на другие сферы жизни. Мне пригодились моя насмотренность и умение структурировать в дизайне, многие идеи можно реализовывать не только в формате выставок, но и для больших проектов, таких как объединение и т.д. Я могу выступать как куратор — пока что этим не занимаюсь, но часто думаю, люблю общаться с людьми и рассказывать истории.

Какую роль играет цвет в твоих работах?

С цветом у меня достаточно странные отношения, я люблю монохром, и большинство моих работ имеют сине-сиреневые оттенки. Изначально получилось случайно, а сейчас такие цвета выбираю уже бессознательно. Но вообще синий и серо-сиреневый ассоциируются с памятью и прошлым, плюс мне нравится монохром, потому что это позволяет сосредоточиться на том, что изображено, не отвлекаться на цвет.

Какую реакцию ты хотела бы вызвать у зрителей?

Сложно сказать, возможно, эмпатию, мне хотелось бы, чтобы люди могли прочувствовать мой опыт, историю, которую я рассказываю. Может быть, чтобы они смогли почувствовать примерно то же, что и я, когда пыталась передать свои ощущения.

Что для тебя является критерием успеха в творчестве?

Самобытность и узнаваемость. Когда художник создает себе отдельный, уникальный образ и продолжает развиваться в нем независимо от трендов и тенденций. Мне кажется, очень важно делать честно, это создает репутацию.